Photo-Revue (sans doute), Michel Kempf - Numéro de ?? 1976
... Une réalisation exemplaire exclut tout ce qui est procédé, truquage, retouche ;
on ne peut y parvenir que par l'emploi des méthodes de la photographie pure.
Paul Strand 1911
Les plaques au gélatino-bromure d'argent de M. Maddoz venaient de remplacer celles au collodion humide, l'ère de la photographie moderne pouvait commencer. Paul Strand naît à New York en 1890.
Le petit-fils d'émigrés d'Europe Centrale fréquente l'Ethical Culture School, quand en 1906, un professeur de biologie décide de créer des cours facultatifs de photographie. Paul Strand se présente avec quatre ou cinq garçons de son âge dans le petit laboratoire de fortune aménagé dans les greniers du collège. Le professeur s'appelle Lewis W. Hine. Il se rendra célèbre cinq ans plus tard en réalisant les premiers reportages photographiques à caractère social sur le travail des enfants dans les mines et dans les filatures. En 1907 Lewis W. Hine emmène ses élèves visiter la « Photo-Cession » à la galerie 291, lieu d'exposition de photographies fondé en 1905 par Alfred Stieglitz au 291 de la 5e Avenue. La rencontre avec des oeuvres de Stieglitz, Steichen, David Octavias Hill, Clarence White et d'autres va être décisive : Paul Strand sera photographe.
Après avoir exercé divers métiers et être allé en Europe, Strand se consacre totalement à la photographie, et en 1915 il présente ses travaux à Stieglitz qui déclare enthousiasmé : « Le travail est brutalement direct, dépourvu de toute tromperie, dépourvu de truquage et de tout « isme », dépourvu de toute tentation de mystifier un public ignorant, les photographes eux-mêmes inclus. Ces photographies sont l'expression directe d'aujourd'hui. »
Et Stieglitz ouvre la dernière exposition de la galerie 291 aux tirages au platine de Paul Strand. Ce lieu de rencontres et de recherches avait fait connaître au public de New York les oeuvres des grands photographes, mais aussi l'art nègre, les croquis de Rodin, les peintures de Cézanne, les sculptures de Matisse, les lithographies de Toulouse-Lautrec et les oeuvres cubistes de Braque et de Picasso que Steichen envoyait de Paris.
Paul Strand a 26 ans, les photographies de cette époque montrent des scènes de rue émouvantes et misérables et des recherches abstraites, c'est l'époque de « l'Aveugle » et de « la Barrière blanche ».
Pour photographier les gens dans la rue à leur insu, Paul Strand utilisait un objectif factice monté sur le côté de son appareil. Cette astuce de voyeur peut surprendre chez un homme aussi intègre que Paul Strand, mais ce stratagème de voleur d'images correspondait à un double respect
- Respect de l'homme : Strand n'a pas la prétention de faire tomber le masque, de violer l'intimité de ses personnages, de les percer à jour en leur braquant sous le nez son énorme Graflex, c'est une approche généreuse.
- Respect du sujet : Paul Strand sait que le photographe, par sa présence modifie le sujet, intervient sur le cours de la réalité, change le déroulement des choses. Le témoin refuse de provoquer l'objet de la photographie : c'est une démarche honnête.
C'est dans cet état d'esprit de respect et de soumission au sujet que Strand réalise la prodigieuse photographie de la femme aveugle, qui, avec la pancarte « BLIND » semble porter sa propre légende.
En 1916 Paul Strand photographie à Port Kent une barrière blanche. Cette image vraisemblablement inspirée par les cubistes que Stieglitz venait de faire connaître, marquait une rupture totale avec les photographies de paysages pictorialistes. Paul Strand a modifié notre vision, après « la Barrière blanche », rien ne pouvait plus être tout à fait comme avant. L'histoire de la photographie retient cette image comme un jalon même si d'autres telles celles de Frédéric Evans et Eugène Atget en Europe, avaient déjà ébranlé l'édifice du Pictorialisme auquel Edward Weston portera le coup de grâce.
En 1917 les deux ultimes numéros de « Camera Work », première grande revue de photographie célèbre pour la qualité de ses reproductions, et fondée en 1902 par Stieglitz sont consacrés à l'oeuvre de Strand. C'est l'époque, où découvrant la grande beauté des mécanismes de précision, il réalise une série de gros plans de machines-outils. En 1918, Strand termine la guerre comme technicien des rayons X dans un service sanitaire de l'armée américaine. En 1919 il voyage en Nouvelle-Ecosse et photographie des rochers. Ces images qui nous sont maintenant familières surprirent beaucoup par leur nouveauté; que l'on pût photographier la matière et la texture des pierres en gros plan à une époque où beaucoup voulaient enfermer Picasso chez les fous, dérouta les spectateurs les mieux disposés.
En 1921, il réalise en collaboration avec le peintre Charles Sheeler « New York the Magnificent » son premier film dont Nancy Newhall dit : « Les prises de vues sur la grande métropole impressionnèrent le monde entier. Pour la première fois on saluait un film documentaire qui avait adopté une approche à la fois abstraite et poétique.
Puis Strand achète une caméra de cinéma Akeley (dont il photographiera les organes mécaniques en gros plans) qui lui servira à filmer des bandes d'actualité en « free lance » pour diverses compagnies cinématographiques.
En 1923, lors d'une conférence devant les étudiants de l'école photographique de Clarence White, il insiste sur la nécessité de libérer la photographie des influences de la peinture. A cette époque les expositions de photographies vantaient les tirages « sanguine » sur papier vergé, montraient flous, des nus à moitié drapés, présentaient sur gomme bichromatée, des femmes, portant une cruche à la fontaine, pompeusement baptisées « Esclave grecque » ou pire encore. Colorado, Nouveau-Mexique, Nouvelle-Angleterre, Maine, entre 1926 et 1930 chaque voyage de Paul Strand est l'occasion d'une série de paysages qui sont autant d'images solides, puissantes, images qui se laissent découvrir lentement. Aucune photographie de Strand n'est brillante pour être brillante. En ce sens, écrit Léo Hurwitz, ses images sont impersonnelles, seulement voilà, elles sont habitées par une forte émotion.
Son approche est des plus simples, refusant toute virtuosité tape-à-l'oeil, renonçant à se forger un « style » à coup de filtre à facettes ou de buée exhalée, il n'a pas recours aux gadgets clinquants pour chercher à être différent, il est différent.
Il est d'ailleurs très remarquable que Paul Strand soit l'homme d'un seul appareil. Toute sa vie il a travaillé avec le même Graflex Folmer et Schwing Eastman, dont il a tiré longtemps des épreuves par contact. Le gros outil était devenu le prolongement naturel de l'oeil et du coeur de l'homme, le photographe faisait littéralement « Centaure » avec son appareil.
Entre 1930 et 1940, Paul Strand effectue de fréquents voyages au Mexique. Quelques photographies réalisées en cette période seront publiées en 1940 sous le titre « Mexican Portfolio », superbe édition à tirage limité.
C'est pendant son séjour au Mexique que Paul Strand se verra confier, par le directeur des Beaux-Arts, la responsabilité du tournage du film « Les révoltés d'Alvarado », évocation poignante d'une grève des pêcheurs de Vera Cruz.
On ne peut s'empêcher de comparer les itinéraires de Paul Strand et d'Edward Weston. Ils connurent tous deux la « révolution culturelle » mexicaine, et chacun, à une extrémité du continent américain, ils oeuvrèrent obstinément à définir de la photographie sa propre spécificité. Si les images de Weston, servi en Californie par une nature généreuse dans sa démesure, semblent plus flatteuses, la quête des deux hommes est identique. En 1929, Weston écrivait dans son journal : « Je viens de voir le catalogue d'une exposition de Paul Strand, ses sujets : des arbres, des rochers, lui sur la côte atlantique, moi au bord du Pacifique... nos titres sont les mêmes, je me demande en quoi nos travaux diffèrent en vision et en technique. » Puis comparant son oeuvre à celle de Strand, il conclut : « Il n'est pas important de savoir si un homme est supérieur a un autre, ce qui est important c'est de savoir s'il est aujourd'hui supérieur à ce qu'il était lui-même hier. Après avoir réalisé d'autres films et rencontré Eisenstein à Moscou, Paul Strand revient définitivement à la photographie en 1943. En 1945, le musée d'Art moderne lui consacre une importante exposition. En 1950, paraît son premier livre de photographies « Time in New England ». Désormais le livre sera le support, la destination du travail photographique de Paul Strand. A cette époque la chasse aux sorcières inquiète nombre d'artistes et Paul Strand qui aime profondément l'Amérique, celle de la liberté à l'effigie de Bartholdi, celle de John Brown, mort en Virginie nous dit la chanson, doit se résoudre à l'exil. Il se fixe à Orgeval près de Paris, d'où il réalisera une série de grands reportages à travers l'Europe, qui seront autant d'albums édités. En 1950, c'est avec un texte de Claude Roy « La France de profil ». En 1955, Luzzara, petit village italien de la plaine du Pô lui inspire « Un Paese » réalisé en collaboration avec l'écrivain Zavattini, natif de Luzzara. En 1962, avec Basil Davidson, c'est « Tir A M'hurain », les Hébrides, chapelet d'îles au large de I`Ecosse. Terre de granit aux hommes rudes, francs buveurs de whisky, chaumières perdues sur la lande battue par le vent, tourbières fumantes, jamais peut-être l'attachement de Strand à la terre-soil, en anglais - c'est-à-dire à la fois terroir et terre qui colle aux souliers - n'avait trouvé un décor autant à sa mesure.
Entre chaque voyage Strand constitue une galerie de portraits d'écrivains et d'artistes français, Malraux, Sartre... Et les voyages continuent : Égypte, Roumanie, Afrique...
En 1972, le principal de l'oeuvre de Paul Strand a été réuni en deux très beaux livres édités par Aperture à New York. Ces ouvrages furent d'ailleurs primés la même année par le jury du festival d'Arles.
Paul Strand est un géant, son oeuvre de soixante années a toujours collé comme un calque parfait à l'histoire de la photographie. Léo Hurwitz écrivait en 1940 dans la préface du Mexican Portfolio : « la photographie a été la vie de Paul Strand. C'est l'instrument grâce auquel il a pénétré les replis de la nature et des hommes, c'est l'outil au moyen duquel il a transmis au monde ce que I`oeil le plus perceptif a vu, ce que la sensibilité la plus ardente a ressenti, ce que la compréhension la plus lucide a hurlé. C'est le langage dans lequel il a écrit le plus moderne des hymnes à la force et à la dignité des hommes, à la sourde violence et à la beauté de la nature. »
